欧珈源的美学：颠覆想象和猜测，才是声音玩具。

 

5月15日声音玩具“劳动之余”广州站演出当晚，欧珈源和乐队以及朋友宵夜到凌晨5点，16日上午11点起来做采访，第一轮采访聊了两个多小时，休息一下后，开始第二轮采访，又是两个多小时。5月14日晚，声音玩具乐队才刚在深圳演完，每一场都是两个半小时，欧珈源在舞台上骚气起舞，见过他的人都会喜欢他的气质。

声音玩具是一种美学，欧珈源有属于自己的哲学。“劳动之余”巡演已经暂告一段落，这次我们通过第一人称口述的方式，尽量还原他的精神世界。

采写：南都记者 丁慧峰 实习生 李倩妍 余昕

　　 无常

现在有了突发状况，也觉得没有问题，前面的气场被中断，后面我会用表现去征服，我相信自己有这种能量。

广州站演出开场突然停电，嘉宾乐队隐基底刚把气氛带起来了，戛然而止气场就断了，但我很快就接受这个现实，就是因为人生无常，虽然当时不确定是不是技术问题，多多少少对乐手也会有影响，但我，已经接受这种意外状况了。

不像以前，会喜欢把这些小事情放大，过于执着于一些小的细节，我认为这其实是一种缺乏自信的表现。现在有了突发状况，也觉得没有问题，前面的气场被中断，后面我会用表现去征服，我相信自己有这种能量。

演了这么多年，什么状况都会遇到，但这些问题是可控的，我就尽快冷静下来，然后迅速进入状态。大概在2003年，声音玩具在青岛演出时，当时舞台音响功率根本没办法支撑，功放音效会自动熄火，我们还是坚持演完了，经历了功放的十几二十次重启，现在想起来不知道当时是什么能量和热情来做完那次“并不美妙的旅行”。

我不停地强调无常，其实也是对自己说的，比较巨大的无常，类似于生离死别，有几个人能做到坦然？只能去顺应、去迎接、去化解。我2008年写下了《你的城市》，关于汶川地震的，很多人把这首歌当作是情歌，但爱情是生离，这个是死别，不一样的概念。

那是一种无法用语言传递的情感，内心那种很沉重的忧伤的记忆，需要用歌曲去承载想要的表达，2008年写完，2009到2010演过，后来觉得情感太粗糙了，就暂时作废，真正发行是2018年，适逢汶川地震十周年，我个人觉得需要去做一个了结。

我希望我写完之后不要局限在这一个事上，不希望别人在听这首歌时产生一种只在说汶川地震的想法，连带出某种巨大的伤痛或者是创伤，你可能正在经历别的事情，别的生离死别，但还是能共情。

相对来说《月上乌尤》这首歌就更私人化，在我之前的作品是很少的，是很多年前我和外公外婆的一次旅行，去乐山那边爬乌尤山，歌里的很多关键词是外公外婆的人生经历。外公去世时90多岁，是喜丧，但外婆去世前得了阿兹海默症，临终的整个过程非常缓慢，结束的方式并不优雅，作为亲人无法感知她内心的痛苦。

“就让今夜之后我再也不会记得你，你从未存在，只有消散的痕迹”，我把这个故事说出来，听众可能会知道一些含义，生病后失忆还能感受孤独和痛苦吗？当时觉得人生有一种巨大的荒谬感，这些描述只是试图猜测，因为无法切身感知，我会认为人生有一个好的结束就是买彩票中头彩。

　　 生命

《昨夜我飞向遥远的火星》也和天空有关，我天生对这种没有终极答案的，甚至虚无的、虚幻的、遥远的、神秘感的东西充满了好奇。

《你的城市》里的歌词“不让你我之间注定是美国式的”，就是“美国式的”，不是“没果实的”，也不是“没过时的”，这是属于想象力的东西。创作者无法说明白“美国式的”到底是什么，因为这来自于一种生命体验，但是当你知道这首歌的切入点，你可能找到其中的逻辑，或者一些生命的逻辑。

人类是悲剧性的，但这个悲剧里有美、有人性闪光的时刻，恰好在那个瞬间让我看到了巨大的闪光，而这种闪光是有群体性的，所以可以被感知。艺术家应该强调人性的闪光点，当然也可以用阴暗去反衬，颓废没有价值，颓废是一种欺骗，因为真正颓废的人应该自我了断，强调人性的光辉，才是生命的唯一的价值。

包括《没有人能够比我们更接近对方》，讲述的是太空的故事，不局限于年轻人眼中的爱情，这个场景可以移植到不同的人物关系上，可以适应知己，也可以适应父子，或者其他的生命关系，还有一种可能就是一个人和自己的内心世界的关系。

《昨夜我飞向遥远的火星》也和天空有关，我天生对这种没有终极答案的，甚至虚无的、虚幻的、遥远的、不确定的、神秘感的东西充满了各种好奇，久而久之也就形成了我的所谓宇宙观。我认为宇宙如果没有人，宇宙就是不存在的；如果没有人类生命的本体的感知，宇宙就不存在，但这个逻辑不能割裂开来看。

　　 时间

下个阶段，我可能会写很具象的东西，像上世纪六七十年代的歌手，每一首歌里都有一个故事，对这个故事不发表见解，不发表评论。

很多人都还喜欢《爱玲》这首歌，当时并没有花很长时间就写完了，表达的就是伤心到极致，没有蕴含什么哲学，也没有什么深层次的思考，就是突然间对一种情感失望到极致，开始反思，其实也是一种宽慰自己的方式。当时内心足够澎湃，就会很有灵感，很快的时间完成。

《你的城市》不一样，《你的城市》歌词短时间就是无法写出来，因为找不到一个又不矫情，却又可以释放内心情感的表达，反而就会纠结很久，因为那种情感不是爆发性的，而是随着时间累积的。

下个阶段，我可能会写很具象的东西，像上世纪六七十年代的歌手，每一首歌里都有一个故事，对这个故事不发表见解，不发表评论，就是让听歌的人根据歌曲的画面去生发想象，这种创作会比我现在总结性的提炼式的操作更有吸引力。

我之前的创作会纠结这种提炼是不是恰当的，是否有代表性，我非常喜欢瑞典诗人特朗斯特罗姆，他的诗每一个字都是迎面而来的意象。

很多老歌迷都发现了，《劳动之余》里有一首歌是《爱是昂贵的》，下一张专辑会有一首歌叫《劳动之余》，其实“劳动之余”是2008年巡演的名字，当时就有这首歌，只是觉得失去了时效性，跟当下不再有关联。

我现在真的不想再去写总结性发言的歌了，就应该关注瞬间给你的原动力，不需要再去扮演所谓的“上帝视角”，就想把瞬间的状态呈现出来，提炼出一个美感的场景，剩下的是观众的事儿、听众的事儿。

我看到《清塘荷韵》很多人喜欢，但这次“劳动之余”巡演没有唱，有一种可能是我们以后跟交响乐团有合作，将来可能成立。这首歌之前有一个版本，现场表演就现在的声音玩具还没有办法完成，我想过比如像广州的秘密后院乐队，东方式的表达又要有一定的现代感，如果现场没有办法完美地呈现，还不如留在唱片里。

现在的环境肯定是和以前不一样了，以前是自然的方式在发展，相信时间会淘汰、会过滤、会提升，该来的会来，该去的会去。现在该来的未必会来，该去的也未必会去，因为背后有大数据，以前的资本不能控制大数据，现在几乎所有的方式都可以以算法来体现，资本就不会考虑什么情怀、什么艺术，目的决定了结果。

　　 共鸣

声音玩具之前的歌的审美逻辑其实古典的。现在我更清楚，动感的节奏、优美的旋律、个性化的演唱，是现场感染力的三个要素。

在我的行业里，做好我的本职工作，能影响一部分人，就是我该做的，我的创作不会具有引导性，我倡导的是独立思考，我认为所有的角色都是带风向的，你要能行走的中间，就必须去独立思考。

艺术是风格化的，但真正的风格是隐形的，外界看到的正式外衣，只是音乐不同的形式，真正的风格是你的审美逻辑，是你的独特身份，比如说含蓄的煽情，不去反复运用高潮的刺激，讲究“前戏”，声音玩具之前的歌的审美逻辑其实古典的，就像交响乐一样，高潮永远只是在最后的需求，前期都是在酝酿，我自己的审美基础就是古典的。

现在我更清楚，动感的节奏、优美的旋律、个性化的演唱，是现场感染力的三个要素，年轻一代喜欢的东西，跳不出整个范畴。我不排斥律动，我也喜欢跳舞，我回去最想做的就是找一个舞蹈老师，学习肢体语言的表达，在舞台上更自如一些。

我们是特定的一代人，我们经历的社会变革更多，在这个过程中，有人坚定了自己，有人轻易否定了自己，我这个年龄的人很多采取了后一种。前一种音乐本身没有不好，只是创作者对观众不友好，只关心自我表达，排斥优美的旋律、排斥朴素的情感，就会被孤立。

我也会尊重而且欣赏能够坚持自我的人，每个人都要为自己的选择承担代价，但我喜欢音乐与时代有关联，与年轻人有共鸣。现在我也越来越喜欢舞台，尽可能在舞台上展现，或者通过舞台找到共鸣，在保持自己审美姿态的情况下找到更多共鸣。

其实在中国摇滚乐的变迁里边，一个特殊的现象就是歌迷是断代的，因为音乐没有成为生活方式。直到现在的90后，或者更年轻的人，才把现场作为生活方式的一部分，音乐现场可能是人类寻求群体体验的唯一的地方。

我知道现在的音乐节的消费主体是90-95这个阶段的年轻人，现在的音乐节都是需要考虑商业性的，观众也不再是纯粹来享受音乐的人，而是到现场寻求体验或者社交，当下就是娱乐的时代，但你是用摇滚乐来讲故事，用我的方式和态度来介入。社会已经发展到这个程度，抱怨和排斥是没有意义的，只有积极投身其中，事情才会产生价值，你也才可以发挥自己的价值。

我们乐队之前几乎不做任何宣传，我个人也没有重视社交媒体，恰好综艺节目给了我们一定的热度，我也会保持适当的交流和曝光。但是，到现在我仍然固执地认为所有的包装、所有的经营、所有的媒体运营，都抵不过具有代表性的歌。

我对一些老乐队的路数比较清楚，没有贬低别人的意思，我觉得他们可能会出一两首有共鸣的歌，但不要希望给你什么惊喜，因为他们的审美是固化的。年轻的乐队不一样，还没有建立一个完全不可更改的思维惯性，我就是希望不停寻找新的可能性，不停颠覆外界对你的某种想象和猜测，这才是声音玩具。